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Au Club de Minuit/Au JazzMix

Yacine Boularès "Ajoyo"

Existe-t-il une société idéale ? Platon l'a affirmé, Montaigne s'est interrogé, Rousseau l'a imaginé, Marx l'a inventé.

En vain.

Ce n'est pas notre société moderne, empêtrée dans le tout sécuritaire, qui viendra en faire la preuve. Les cerbères qui gardent le jardin de Cybèle seraient prêts à vous molester pour un couteau suisse que vous avez négligemment oublié au fond de votre sac. Ce n'est pas non plus le pseudo modèle du nouveau président de la République qui prétend bannir les contraires en politique qui apportera paix et concorde. Yacine Boularès, en philosophe éclairé et en musicien accompli, s'interroge lui aussi sur cette société idéale. Non pas en théoricien éloigné de la pratique. Il est à la fois "croyant et pratiquant". La philosophie en actes. La musique comme vecteur de paix. La musique avant tout. La musique comme prétexte à la fête et à la transe. Hier soir, nous étions en Afrique noire, en Afrique du nord, nous voguions sur les pas de Fela Kuti.

Avec "Ajoyo", Yacine Boularès tient là un des meilleurs groupes de musique de transe, de danse de toute la galaxie jazz réunie, aussi solide que Sixun en son temps. Groove et feeling sont comme des secondes natures chez chacun des musiciens. Il y a là une société idéale dans le sens où les individus donnent naissance à un groupe, qui explose littéralement sur scène, jouant savamment de toutes les nuances qu'il peut utiliser pour nous émouvoir, joie communicative, rythmes hypnotiques, combinaisons des sons et des forces, mélodies entêtantes. Ce groupe, uni, dialogue et donne à chacun un espace pour improviser, un espace d'expression, pour appréhender plus que sa personnalité musicale, son identité, comme le plait à le dire Yacine Boulares (cf l'entretien plus bas). Il y a de la densité groupale, il y a de la méditation individuelle et des prouesses inégalées (les envolées du saxophoniste au son si chatoyant, la voix magnifique de la chanteuse qui s'en sert aussi comme d'un instrument en proposant des secondes voix, le travail colossal du guitariste, sorte de syncrétisme entre jazz et musique africaine, une section rythmique parfaite avec de merveilleux solos, la présence indispensable du pianiste.

Si la joie et la fête sont marquées, remarquables, le propos de Yacine Boularès et de la chanteuse Sarah Elisabeth Charles reste avant tout de magnifier la vie et de la rendre plus humaine, plus habitable, avec la place pour chacun pour s'affirmer sans chercher à gommer les différences. Apprendre de l'autre pour apprendre sur soi. Comme ces détours qu'il fait par d'autres cultures africaines, pour mieux découvrir la sienne. Un peu comme Bernard Lubat qui joue avec le gratin du jazz américain avant de découvrir que dans son village des Landes les anciens jouent une forme de blues. Claude Levi Strauss, dans les conclusions de son travail d'ethnologue, rappelle que toute société évolue au contact d'autres, que chaque progrès n'a pu être réalisé que par emprunt à la culture d'autrui. Yacine Boularès en a fait un  principe, pour notre plus grand bonheur. Ce merveilleux musicien a quelque chose d'essentiel à nous apporter, la possibilité, à son écoute, de nous retrouver nous aussi. Avec, en prime, à son contact, le lyrisme à nos oreilles et le goût de la transe.

Laurent Brun & photos Jazz-Rhone-Alpes.com

Rencontre avec Yacine Boularès, propos recueillis par Laurent Brun

Laurent Brun : J'ai découvert votre musique sur France Culture. Je me suis empressé d'acheter le disque, "Abu Sadiya". Je n'avais pas entendu depuis longtemps quelque chose d'aussi poétique, fait de dépouillement, de sensibilité extrême, de discours frais et enthousiasmant. J'ai découvert votre jeu de saxophone. Que pouvez-vous dire sur votre approche de la musique, qui me semble être à  la croisée de plusieurs chemins, du côté des mélodistes mais aussi du côté free, libéré de la mélodie ?
Yacine Boularès : J'ai commencé mon parcours en étant très influencé par Coltrane, et notamment par l'album Crescent qui a pour moi la même valeur que Love Supreme, un album qui véhicule beaucoup plus que de la musique, qui fait passer un message très spirituel. Ça a été ma première influence, bien avant que je sois musicien. A l'adolescence déjà. Et puis est venu ensuite l'apprentissage plus formel. Après mes études littéraires et philosophiques, je me suis mis au saxophone. J'ai démarré dans un conservatoire d'arrondissement à Paris auprès d'André Villéger, qui insistait beaucoup sur l'aspect mélodique, sur le fait qu'entendre une mélodie avant de la jouer est une nécessité. Je suis ensuite entré au conservatoire national dans la classe de Ricardo del Fra où j'ai été exposé à une musique plus libre, à plus de musique improvisée, plus d'avant-garde, ce qui a considérablement ouvert mes oreilles et mon horizon. Après ces deux ans, j'ai eu l'envie d'aller aux sources du jazz, d'aller apprendre à New York à la New School avec une bourse d'étude. Là j'ai appris auprès de mes idoles : Chris Cheek, Jean Michel Pilc, Donny Mac Caslin, tous ces musiciens que j'écoute depuis longtemps et qui font la scène contemporaine du jazz new yorkais. Le modèle pour le disque Abu Sadiya, c'est beaucoup le saxophoniste Marc Turner, à travers son groupe Fly, en trio avec Jeff Ballard et Larry Grenadier, dans lequel il est difficile de faire la distinction entre les mélodies écrites et l'improvisation. C'est un album avec une trame de composition qui ouvre de temps en temps des espaces d'improvisation là où on ne les attend pas. Cela sort du canevas thème impro thème comme dans le jazz plus formel.

L.B. La philosophie joue un rôle dans votre devenir musicien ou dans votre musique tout simplement
Y.B. Mon envie de jouer est née de mes études de philosophie. J'écoutais du jazz depuis longtemps. J'étais en master et je faisais des recherches sur le discours musical. Rien ne me satisfaisait réellement. De cette insatisfaction est née mon envie de mettre la philo de côté pour pratiquer. De mes lectures est venue le désir de mettre la pensée de côté. Ce qui me reste de mes études c'est une structure intellectuelle et conceptuelle, ce qui m'a permis d'aller à l'essentiel, à "mon essentiel",  pour rattraper le temps car j'ai commencé tard la musique. Par contre je ne pense pas être un de ces musiciens qui savent tout faire, j'ai plutôt essayé de trouver ma voie le plus vite possible et de la développer. Je me définis plutôt comme un musicien analytique, plutôt que synthétique.

L.B. quand on joue, on n'est plus dans la pensée ?
Y.B. La pensée est préparatoire, elle est dans la pratique quotidienne de l'instrument, on développe des concepts, on pense énormément en dehors du moment musical, par contre quand je suis dans le moment musical, les pensées sont parasites. Celui-ci doit être un moment de transe, d'oubli, pour être en communion avec autre chose que soi-même, avec les autres musiciens, avec quelque chose qui nous dépasse, la musique elle-même. La pensée existe dans la musique, elle est très importante mais pas dans le moment musical.

L.B. quelle est l'importance de la légende d'Abu Sadiya chez vous ?
Y.B. La légende d'Abu Sadiya m'inspire depuis des années. Le disque en est le résultat. Quand j'ai cherché les concepts et les esthétiques qui forment mon discours musical, le Stembeli, cette musique de transe, et l'histoire d'Abu Sadiya en font partie. J'ai entendu l'histoire de ce personnage du folklore tunisien à travers mon père. J'ai commencé à lire sur cette légende, je me suis mis à écouter le Stembeli, à rencontrer des musiciens qui le jouent, et à former un discours musical sur cette légende. Dans mon précédent disque, Ajoyo, j'avais déjà écrit une chanson qui en faisait référence. Ce qui reste de mes recherches c'est une découverte de la transe, en jouant avec des musiciens africains, en dialoguant avec Vincent Ségal aussi. C'est un musicien qui a une capacité d'entrer en transe quasi automatiquement, quand il joue de la musique baroque ou brésilienne, du jazz ou du Stembeli. C'est une sorte de sorcier !

L.B. comment définiriez-vous la transe ?
Y.B. La transe c'est une absence de soi, J'étudiais il y a quelque année avec Fabrizio Cassol. Il me disait « l'égo est un obstacle. Il faut trouver des solutions pour le dépasser. Pour n'être qu'un vecteur.  Car la musique existe avant et après toi, elle ne fait que passer par toi ». Arriver à un moment de transe, c'est arriver à ce moment où on est ce vecteur, et rien d'autre. Ça passe par l'oubli de soi. Ça passe par une empathie pour tout ce qui nous entoure. C'est complexe, mais je pense que c'est essentiellement ça.

L.B. Sur le disque vous évoquez votre nouvelle reconnaissance en arrivant aux Etats-Unis, vous n'êtes plus un musicien tunisien à New York, comme vous pouviez l'être à Paris, mais un artiste du Tout monde (comme aurait dit Edouard Glissant). Souffriez-vous à Paris d'une reconnaissance partielle, faite de représentations et d'a priori étouffants et sclérosants? 
Y.B.  On est dans des sociétés difficilement comparables, la nôtre et celle de New York (je ne veux pas dire américaine). Ce que j'ai ressenti depuis mon enfance, c'est que l'étranger en France cherche à s'assimiler. J'avais un père tunisien, une mère française et très tôt j'ai compris la nécessité d'être plus français que tous les français. Parce que je porte un nom d'ailleurs. Parce qu'on vient d'ailleurs. Parce que c'est l'idéal républicain. On s'assimile et c'est une belle chose mais qui écrase un petit peu et qui ne laisse pas respirer les héritages culturels, émotionnels, sachant que c'est un héritage assez lourd. L'héritage tunisien est peut-être moins lourd que d'autres dans le sens où la décolonisation a été assez pacifique. Mes ancêtres l'ont vécu et je le porte aussi en moi d'une certaine manière. En arrivant à New York, j'ai senti la légèreté de vivre sans cette histoire. Du coup, d'être exposé à la curiosité de musiciens ou de gens que je rencontrais au quotidien « la Tunisie qu'est-ce que c'est, qu'est-ce qu'on joue comme musique, qu'est-ce qu'on mange, qu'est-ce qu'on pense » une curiosité qu'il n'y a pas en France. Ici, oui on sait que la Tunisie c'est de l'autre côté de la méditerranée, c'est l'ancienne colonie, c'est la plage, le couscous, la danse du ventre. On a l'impression d'en savoir beaucoup mais en fait on n'en sait rien. C'est comme un voisin à qui on dit bonjour tous les jours mais avec qui on n'a jamais eu une conversation de plus de deux minutes. Il y a des différences fondamentales entre les deux lieux mais à New York il y a une fraicheur, un regard frais sur ce que je peux être, du coup une liberté pour l'explorer. Ça libère la musique et ça libère la possibilité de reconstituer une identité fragmentée.

L.B. On se prépare différemment avant un concert, quand on joue dans un petit club ou sur la scène de Jazz à Vienne ?
Y.B. Jazz à Vienne, j'en entends parler depuis toujours, c'est peut-être le plus grand festival de jazz en France. Cela représente beaucoup pour moi. C'est la première fois que je joue sous mon nom dans un festival majeur en France. Je le fais régulièrement partout dans le monde, au Japon, en Chine, dans le monde arabe, en Côte d'Ivoire, aux Etats-Unis. J'ai la chance d'avoir une carrière jeune mais florissante. J'ai quand même grandi en France et j'ai l'impression que jouer dans un festival comme Jazz à Vienne est une étape. C'est une première et je pense que c'est un super public aussi. J'entends parler de Jazz à Vienne comme d'un festival assez rare.

L.B. Ce soir, que présentez-vous ?
Y.B. Je viens avec mon projet précédent, Ajoyo. Un projet plus africain, subsaharien. Influencé par mes rencontres à New York, notamment avec des musiciens camerounais et ivoiriens. J'ai écrit la musique. J'ai écrit certaines chansons, deux textes sont proposés par Sarah Elisabeth Charles, la chanteuse du groupe. Il y a une collaboration entre nous. On travaille beaucoup autour de la question de l'identité. Elle est haïtienne américaine, métisse. Etre métisse aux Etats-Unis pose question dans un pays qui revendique actuellement sa blancheur et qui cherche à revenir en arrière, notamment sur les droits sociaux des noirs américains. On parle de discrimination. On s'interroge. On n'accuse pas. Notamment sur le ressort de la personne qui discrimine. On essaie un peu d'être dans l'empathie et d'interroger le bourreau. Savoir ce qui motive tant de haine à l'encontre de l'autre, du différent. Ce sont des paroles très humanistes. Il y a quelques textes qui portent sur la légèreté de la danse, l'hommage aux danseurs (un texte est un hommage à Fella Kuti). Il y a des sujets aussi plus léger, plus "entertainement", où on veut fêter et célébrer la vie.
Chez moi, la place des arts est centrale. Je lis beaucoup, je suis très sensible à la littérature, à la peinture également. Je suis fan de peinture impressionniste française et anglaise, un grand fan de Turner. C'est un continuum, ce sont d'autres vecteurs qui laissent passer le beau de manière différente mais qui pour moi me modèlent et me construisent autant que d'écouter un disque ou que de voir un concert.