Les pérégrinations jazzistiques

A Vienne

vu le dimanche 8 juillet 2012

Avishaï Cohen trio au Théâtre Antique

Les habitués de Jazz à Vienne connaissaient déjà ce "fils d'Adam" depuis 2008 puisqu'il avait pallié au pied levé et en compagnie de son partenaire Shaï Maestro la défection de Curtis Fuller.

Le contrebassiste Avishaï Cohen avait exploité à merveille cette opportunité en volant la vedette à une Diana Krall très décevante, séduisant d'emblée un public conquis par une musique aux mélodies profondes, aux sonorités enracinées dans un terreau fertile ou l'émotion, humaine et musicale, avait parcouru le concert et atteint des sommets dont chacun garde encore le souvenir.

Avishaï Cohen casse le code communément admis selon lequel le contrebassiste assure la rythmique, toujours présent mais légèrement en retrait, cet homme à quelque chose d'animal en lui et il vient toucher ce qui est animal en nous, il vient chercher le public dans le tréfonds de ses entrailles en s'offrant quasiment corps et âme(s).

Doté d'une technique époustouflante (notamment à l'archet, m'évoquant Oscar Pettiford ) d'une sonorité hors du commun sans compter cette façon d'utiliser son instrument comme outil de percussion, il nous propulse dans un univers sonore (autant que sensoriel) aux résonances plurielles et captivantes justifiant à l'évidence le titre de son dernier album.

Originale, dense, exigeante, la musique d'Avishai Cohen se nourrit d'humanité donc d'universalité, dégageant une puissance quasi archétypale.

A ses côtés le jeune pianiste Omri Mor nous a offert une prestation hors du commun ; j'ai été sidéré par la richesse de son jeu, sa fougue, sa virtuosité, et son propos artistique, virevoltant allégrement dans des registres mêlant la musique classique au jazz, les timbres latino et afro-cubains et des tonalités arabo-andalouses donnant à son jeu une diversité et une identité musicale rare.

Et si la formule instrumentale resta essentiellement orientée vers l'efficacité et le rythme emmené par le jeune batteur Amir Bresler (21 ans) qui ne fut pas en reste pour nous le rappeler à de fréquents intervalles avec déjà une capacité hallucinante à placer toutes les rythmiques possibles sur n'importe quel morceau, les trois musiciens s'autorisèrent des moments de grande finesse, avec une souplesse de nuances sans doute trop rare dans le monde du jazz.

Puis ce fut un nouveau titre, superbe reprise de la chanson ladino "Avraham Avinu", qui constitua le grand moment de la soirée, en clôture du concert avec le public debout comme un seul homme aussitôt le dernier accord planté (incroyable public viennois qui se lève pour une chanson à la gloire du patriarche Abraham).

Impossibles adieux qui firent revenir Avishaï sur un rappel aux allures de messe (au sens propre d'ailleurs, puisque le public ne cesse de se lever et de s'asseoir) pour "Alfonsina y el Mar" interprété en solo.

Le groupe conclut enfin sur "Besame Mucho" amusant et déchaîné, alors que les lumières se sont rallumées depuis bien longtemps dans un amphithéâtre que je n'avais pas vu dans cet état depuis bien longtemps.

Elie Beraha

Les jam-sessions de l'Esplanade Saint-Vincent

En marge de la programmation officielle l'Esplanade Saint-Vincent a profité de l'absence de Club et de JazzMix pour proposer son "after".

Inaugurée en février, sur le parvis de la cathédrale, l'Esplanade St-Vincent n'est pas qu'une salle de réception et de séminaire. Elle organise deux fois par mois des dîners-concerts jazz. En puisant dans le riche creuset des jazzmen rhônalpins, François Robin s'attache à proposer une programmation variée de grande qualité.

Plus encore pendant le festival, l'idée a été expérimentée d'une formule "jam after jazz" les dimanches soirs à partir de 22h30. Si le premier dimanche n'a vu qu'une quarantaine de personnes - les absents ont eu vraiment tort !- braver la pluie pour écouter l'excellent Jon Boutellier et son trio "Drumless+1", le bouche-à-oreilles a fonctionné à plein régime le dimanche suivant pour applaudir le quartet d'Anne Sila qui a mis le feu jusqu'à deux heures du matin. Il faut dire que tout est là pour de belles soirées : un lieu cosy, très "club", une lumière travaillée, une salle à taille humaine dotée d'une belle acoustique qui permet une belle communion avec les artistes, et par-dessus tout un accueil chaleureux.

Les musiciens ne s'y trompent pas et se refilent l'adresse. Mis à part un break début août, la programmation est donc déjà en place jusqu'en décembre. N'hésitez pas à réserver au plus vite et venez découvrir le lieu.

Prochain dîner-concert, vendredi 27 juillet, "Trio Plume". Et à la rentrée des concerts en partenariat avec Jazz à Vienne. La mayonnaise est en train de prendre.

Pascal Derathé

vu le lundi 9 juillet 2012 à Vienne

Awek au Théâtre Antique et Club de Minuit

Pour la soirée blues, Jazz à Vienne a l'habitude de nous dégoter chaque année quelques bluesmen hexagonaux qui pratiquent ce style avec autant de métier et d'émotion qu' on en trouve sur les terres d'origines de cette musique au Nord ou au Sud du Mississippi. Nous pensons notamment à Malted Milk, Nico Wayne Toussaint, Mountain Men pour les plus récents ... Cette année, les élus sont le gang expérimenté des toulousains de AWEK (littéralement "à fond" en occitan ) qui totalise dix-huit ans d'existence et pas moins de huit albums à son actif dont le tout récent "Rich and Famous" (Absilone 2012) enregistré à San José en Californie et produit par l'harmoniciste Mark Hummel. Le quartet est composé de Bernard Sellam (guitare,voix), Stéphane Bertolino (harmonica), Joel Ferron (basse) et Olivier Trebel (batterie) ; le groupe pratique un blues qui se nourrit aux sources des bayous de Louisiane, du son de Chicago et du Texas en intégrant de plus en plus les apports de la côte Ouest, le West Coast Jump.

Cette présentation à Vienne s'est déroulée par la grande porte en comprenant à la fois un passage de quarante-cinq minutes sur la scène du Théâtre Antique et plus tard dans la soirée un autre concert intégral d'une bonne centaine de minutes au Club de Minuit. Des morceaux déjà joués au Théâtre Antique comme Hush your Mouth (bien dans la tradition Chicago Blues), ou encore le très rock A place where I can hide, seront repris au Club et interprétés différemment : autant d'énergie mais quelques économies d'électricité et surtout un énorme gain de complicité avec le public. Sur A place where I can Hide (composition de Stéphane Bertolino présente sur "Rich and Famous"), les spectateurs du Club sont invités à danser le rock et effectivement ça "rock'n rolle" grave au parterre ! On la joue plus slow-blues sur la reprise du classique de Sonny Boy Williamson Early in the morning, partiellement chanté sans amplification par Bernard Sellam en devant de scène.

Peu à peu au Club, c'est tout le dernier album qui sera passé en revue alterné avec des morceaux plus anciens. De I hurt me un peu rokabilly dans la veine de T Bone Walker à I'm not in love with you et Drive an automatic dans un style jump blues, le ton se durcit avec My Boss, pour revenir plus typiquement Chicago Blues avec I don't mind. Le groupe assure bien derrière l'omniprésent Bernard Sellam et sa guitare Gibson 330 ; il n'est pas question non plus d'imaginer cette musique sans la vaste palette d'harmonica de Stéphane Bertolino qui apporte une touche "roots" colorée. On ne s'ennuie pas en changeant presque insensiblement de style de blues voyageant à travers Mississippi et Louisiane, jusqu'à Austin Texas des Fabulous Thunderbirds, pour continuer jusqu'aux rivages plus consensuels de la côte Ouest, en revenant de façon presque obsessionnelle vers les climats tendus et électriques d'un Chicago Blues, très appuyés en fin de concert.

A voir l'ambiance au Club, ce soir, il est évident que les "prêcheurs de blues" du Sud-Ouest ont su convertir à leur cause de nouveaux adeptes du côté de Mississippi sur Rhône.

Gérard Brunel

Keb' Mo'

Quand on lui demande de quel blues il se sent le leader, Keb' Mo' répond qu'il se sent plutôt l'âme d'un sideman du blues. A cette réponse pleine de modestie, nous ajouterons que si Keb' Mo' officie dans la grande cathédrale du blues, cela ne l'empêche pas de rendre des cultes particuliers dans quelques chapelles latérales notamment à Robert Johnson et Taj Mahal à qui il voue une admiration affichée sans bornes. Il cite également parmi son panthéon personnel B.B. King et Albert King.

En réalité, ce qui fait la spécificité de Keb' Mo', c'est de ne pas se laisser enfermer dans un style particulier tout en rendant hommage à ceux qui ont inventé cette musique et en préservant sa personnalité. C'est ainsi qu'au fil du concert, on peut percevoir un hommage explicite à John Lee Hooker. Plus loin, sa Fender évoquera Lucille la guitare de B.B. King. Ailleurs on perçoit le swing caractéristique du vieux Texas Blues ou le ragtime du Piedmont Blues. Lorsqu'il troque sa National Steel Guitar contre la Fender c'est qu'il parle le langage du Chicago blues ou veut faire entendre les zébrures caractéristiques du blues rock le plus actuel. Keb' Mo' tout au long du set se joue des styles au gré de ce qu'il juge nécessaire à l'ambiance de tel ou tel titre. Pour cela il a musclé son groupe et ça lui permet d'aborder tous les styles et d'utiliser toutes les sonorités propres à accompagner et mettre en valeur ses titres et sa voix, très légèrement teintée de soul, de bluesman californien.

Si Keb' Mo' est grand, ce n'est pas seulement par la taille, mais surtout par le talent, ce talent qui lui permet de tailler sa route dans le marais du blues depuis près de trente ans sans perdre, malgré les "cross roads" possibles ni sa direction ni surtout son âme.

Michel Mathais

(Keb' Mo': vocal, guitares ; Jeff Paris: guitares ; Michael Hicks: claviers ; Kevin So: claviers, guitares ; Vail Johnson: basse ; Les Falconer: batterie.)

La soirée du blues : quelques très bonnes surprises et une petite déception

Avec un Théâtre Antique plein à craquer, décidément le blues fait traditionnellement salle comble, on a pu assister à une première partie à la hauteur de nos attentes. Sans complexes et avec bien du talent le groupe gascon "Awek" a fait immédiatement chauffer le théâtre avec au programme quelques unes de leurs compositions (un bon rock de derrière les fagots) et "du vrai blues" Bernard Sellam dixit ! avec le célèbrisssime Early in the morning de Sonny Boy Williamson, pour lequel après une belle intro à l'harmonica de Stéphane Bertolino, Bernard nous a gratifié d'un superbe solo de guitare.

Ça roule, ça pousse ( avec un batteur bien dans le feeling du "beat du Sud") et nul doute que la présence de l'harmoniciste Stéphane Bertolino apporte une touche exceptionnelle de virtuosité, mais aussi de subtilités, de swing, une deuxième voix émouvante qui contrebalance le rocailleux de celle de Bernard . Et que dire de l'effet, certes prévisible sur le public, de sa longue, longue note tenue dans le suraigu au début d'un morceau qui nous laissa pantois ! C'est après un boogie endiablé que l'on vit arriver les techniciens, métronomes un peu forcés, pour préparer la scène pour le suivant, que l'on se rendit compte qu'une bonne heure était passée ...

Vint alors, le grand, beau ! Kevin Moore (aka Keb' Mo'), chanteur guitariste, racé, la classe ! Accompagné par cinq autre musiciens, chanteurs pour la plupart, nous nous sommes retrouvés cette fois face à une belle machine américaine pour laquelle le blues peut se décliner de mille et une façons qu'il soit du "delta ou d'ailleurs". Keb' nous dit avoir été inspiré, à ses débuts par le rugueux Big Bill Bronzy, qu'il a aimé passionnément, le merveilleux T.Bone Walker (il a participé à l'un des derniers festivals qui lui est consacré), et il faudra attendre la fin du concert pour retrouver atmosphère du blues bien campé, que l'on pourrait qualifier de plus classique, et qui provoque instantanément le clap hand du public. Pendant la première demi heure Keb' a chanté de splendides ballades, (et quelle voix chaude et suave qui nous rappelle justement plus celle d'un T.Bone Walker que celle d'un Robert Johnson (dont Keb' se serait inspiré). Des arrangements intéressants, du beau travail de groupe, d'excellents solos comme celui de Jeff Paris à la mandoline qui apporta comme un souffle country venu du Sud, bref, cet homme a du talent ! Il l'a d'ailleurs prouvé lors du rappel (que les techniciens ont failli squeezer !) en revenant seul sur scène, se mettant devant un micro encore ouvert et nous gratifiant d'un one man show avec son harmonica et sa voix ... La voix du Delta avait parlé ...

On l'attendait, on était venu pour lui, et sans doute en attendait-on peut être un peu trop. Morris Nolt, Le "slim" de l'autre célèbre Magic, Sam (dont il fut le bassiste) est arrivé sur scène après un show peu convainquant des musiciens de l'orchestre (à part un beau blues au bon rythme semi lent du bassiste) et une folle harangue du batteur un peu survolté pour annoncer la vedette !

Bon ! était-il fatigué ? sans doute, et l'indulgence s'impose face à ses hommes légendes qui incarnent à eux seuls l'émerveillement des publics du monde entier face à l'immense apport émotif artistique des noirs américains. De plus Magic Slim nous fait encore rêver à la fournaise musicale qu'a été, et qu'est encore Chicago, la patrie d'accueil des hommes du Sud. Et c'est bien tout le Sud, la colossale pulsion de la batterie (qui nous a immédiatement phagocyté dès les premières minutes avec Brian Jones). C'est la violence tranquille de l'exposé, pur, dépouillé, rough, dès que Magic fait chanter sa guitare et lui répond, comme on parle à un ami de longue date . On aime, on attend, on vibre aux notes incisives qui d'un seul coup explosent. Oui mais, le choix délibéré ? de tempo, lents, voire très lents, presque systématiques, certes dans lesquels Magic excelle, finit par altérer un peu l'attention et nous a semblé aussi brider un peu le batteur ?

Il aura fallu la fin du concert avec le retour sur scène de Keb' pour qu'un peu de sang neuf soit apporté au Teardrops pour qu'une petite "jam" blusy enchante le public à nouveau et que revienne un peu la Magie du blues ... .

Catherine Ivanoff

vu le mardi 10 juillet 2012 à Vienne

The Bad Plus et Joshua Redman

"The Bad Plus" et Joshua Redman, c'était un peu le projet-surprise, un groupe mal connu avec une réputation un peu sulfureuse The Bad Plus, et un musicien, Joshua Redman en route vers les sommets qui n'a laissé au public de Vienne que de bons souvenirs en plus de ses excellents albums encensés par la critique.

A la conférence de presse qui précède le concert les musiciens de The Bad Plus ont rapidement fait du petit-bois des clichés concernant leurs reprises déconstructivistes de tubes pops et rocks. Ils déclarent faire une musique simplement en rapport avec leur temps et les exemples de ce type sont moins importants que ce qu'une certaine presse avide de tapage médiatique veut bien le dire. Dixit. Il n'empêche que leur avant-dernier album, "For All I Care", est fait uniquement de reprises qui vont de Nirvana à U2 mais en passant par Ligeti et Stravinsky. En revanche, le dernier album "Never Stop", véritable bijou de sonorités et de rythmes ne comprend que des compositions originales.

Ils insistent fortement sur la notion de groupe, leur production est celle du groupe et non pas celle d'un musicien et de son trio. Il n'y a pas de leader, c'est le band qui conduit. Leur préparation aura été simple, Joshua Redman connaissait depuis longtemps la musique de Bad Plus et ils ont commencé par jouer ensemble six jours d'affilée dans un club new-yorkais, à raison de deux sets par jour. Puis très vite ils ont commencé à tourner. Bad Plus joue ses morceaux et improvise comme à l'accoutumée et Joshua Redman s'intègre comme il le veut.

Le résultat c'est une merveille de poésie qui repose sur une architecture savante, éprouvée et pourtant profondément originale, proposée par The Bad Plus dont Joshua Redman nous fait visiter les différents étages modaux et tonaux avec un plaisir largement partagé par le public.

Reid Anderson présente les morceaux en français. Les titres sont tirés d'un peu tous les albums du groupe. On retrouve Thriftstore Jewelry de Prog (2001), l'étrange Love Is The Answer de Motel (2001). Nous retenons particulièrement deux magnifiques ballades Silence Is The Question de These Are The Vistas (2003) et People Like You de Never Stop (2010) toutes deux commencent par une mélodie d'une grande douceur, suivie d'une longue montée en tension et en volume sonore jusqu'à l'explosion au point de résolution avant le retour au calme final quasiment mystique. Il semble que cette musique n'attendait que la voix du ténor de Joshua Redman pour s'épanouir enfin.

Et pourtant lorsque plus tard on écoute à nouveau les albums on s'aperçoit que tout est déjà là. Mystère de la musique.

Il est indéniable que cette rencontre entre The Bad Plus et Joshua Redman aura été un des sommets de ce 32ème Festival de Jazz à Vienne, un de ces moments que l'on garde au creux de sa mémoire et que l'on ne pourra évoquer qu'avec ceux qui étaient présents puisqu'il n'en subsiste aucune autre trace.

Michel Mathais

(Joshua Redman: saxophone ténor ; Ethan Iverson: piano ; Reid Anderson: contrebasse ; David King: batterie)

Terri Lyne Carrington avec Dianne Reeves "The Mosaic Project" au Théâtre Antique

Deux grandes dames du jazz, maintes fois consacrées à Jazz à Vienne, se sont réunies pour nous présenter un projet tout à fait original "The Mosaic Project". La batterie de Terri Lyne Carrington s'est déjà fait entendre à Vienne derrière Stan Getz, Herbie Hancock et bien sûr aussi avec Dianne Reeves, qui depuis 1997 a été véritablement adoptée par le public du Théâtre Antique au point qu'on peut parler d'une véritable histoire d'amour entre la chanteuse et Vienne. The Mosaic Project rassemble dans sa version CD (Concord Jazz 2011) la quintessence des musiciennes et chanteuses de jazz actuelles (Gerri Allen, Dee Dee Bridgewater, Nona Hendryx, Esperanza Spalding, Cassandra Wilson... sans oublier bien sûr Dianne Reeves). Un peu comme un acte militant auquel Terri Lyne Carrington aurait servi de catalyseur, ces musiciennes ont voulu montrer qu'aujourd'hui la parité évolue y compris dans le jazz et que ce projet le symbolise. L'album a été salué en 2012 par le "Grammy" du meilleur album de jazz vocal. Pour la scène, Terry Line Carrington embarque quelques protagonistes du projet outre Dianne Reeves, la pianiste Helen Sung et les saxophonistes Tineke Postma et Tia Fuller. Comme parité ne veut pas dire absence d'hommes, sont "acceptés" le guitariste Nir Felder et le bassiste Joshua Hari Brozoski.

Le concert débute avec deux instrumentaux nécessaires à l'ajustement du son des saxophones, avant que Dianne Reeves arrive pour une version totalement transcendée du "Simply Beautiful" de Al Green ; avant même qu'elle nous chante sa satisfaction d'être ici ce soir, on a bien senti que sa voix n'a rien perdu de son ampleur et qu'elle reste indiscutablement une très grande voix du jazz. Elle enchaîne sur la composition très engagée dans la défense des noirs américains, Echo la pièce phare du projet avec son introduction récitée par la symbolique Angela Davis. Dianne Reeves chante, vocalise et se lance dans des scats dont elle seule a le secret superbement soutenu par un orchestre qui tourne maintenant comme une magnifique machine bien huilée. Avant de quitter la scène, pour laisser toute la place à l'orchestre, elle introduit superbement la composition suivante, la toujours délicieuse ballade de Lennon-McCartney Michelle dont elle chante juste la première partie, laissant ensuite les autres musiciens improviser successivement sur le thème, avec notamment une remarquable intervention de Helen Sung au piano et Fender Rhodes et une conclusion de haute volée par la batterie de la patronne Terri Lyne Carrington.

Dianne Reeves reviendra sur scène pour reprendre élégamment Will you love me tomorrow tiré de l'album "That day..." (Blue Note 1997) produit pour elle par Terri Lyne Carrington. Sans surprise mais toujours magique, après le scat final, ce sera la rituelle et presque interminable présentation chantée des musiciens, un moment toujours incontournable et jouissif pour Madame Dianne Reeves.

Et comme Vienne aime bien reconnaître les grands artistes, toutes ces dames (cinq) qui se sont mises en avant ce soir et pour rester dans l'esprit du "Mosaic Project" quitteront la scène avec ovations (paritaires) et bouquets de fleurs (non paritaires) !

Gérard Brunel

vu le mercredi 11 juillet 2012 à Vienne

Stéphane Belmondo quartet "The Same as it never was before" au Théâtre Antique

Ouvrir la soirée dans un Théâtre Antique bondé, devant un public venu surtout pour voir la star du jour Melody Gardot, voilà un défi intéressant à relever pour le Stéphane Belmondo Quartet.

Des atouts, ils en ont avec cette association totalement intergénérationnelle (de 32 ans à 75 ans) de musiciens de tout premier plan, à commencer par le doyen Kirk Lightsey, le plus parisien des pianistes américains qui outre sa carrière en tant que leader s'est illustré derrière deux grands trompettistes Blue Mitchell et Chet Baker, le juste un peu plus jeune batteur américain Billy Hart, dont le drumming particulier a toujours été recherché partout depuis l'époque où il accompagnait Wes Montgomery ; il vient de sortir un album en tout point remarquable sur le label ECM "All your reasons" associé au saxophoniste Mark Turner et au pianiste Ethan Iverson (le pianiste de Bad Plus, ce trio qui nous a juste transporté au ciel, la veille, avec Joshua Redman). C'est le jeune contrebassiste prometteur Sylvain Romano qui a pour mission de compléter cette rythmique de géants. Tout ce beau monde a été rassemblé à l'initiative du trompettiste français qui compte, Stéphane Belmondo pour l'enregistrement de son projet "The same as it never was before" (Verve 2011) et renouvelé à l'identique ici ce soir.

Quand Stéphane Belmondo est à l'affiche, on n'est pas surpris d'entendre des compositions de Stevie Wonder à qui le trompettiste a consacré en 2004 la totalité de son album "Wonderland". Ce soir se sera You and I ou derrière le leader, alternant trompette et bugle, c'est tout le quartet qui pétille d'inventivité. Le thème central du concert sera la composition Habiba de Kirk Lightsey (titre initialement enregistré par le pianiste avec le trompettiste Blue Mitchell). En introduction à cette composition, Kirk Lightsey délaisse le piano pour la flûte, pendant que Stéphane Belmondo fait entendre une conque jouée juste au-dessus des cordes du piano. Très inattendu, avant que le quartet reprenne sa configuration initiale pour la suite de la composition qui va se terminer sur une époustouflante démonstration de Billy Hart explosant littéralement toutes ses peaux et cymbales avec une énergie implacable. Pour Everything happens to me, on retrouve le duo Belmondo-Lightsey avec le son inimitable et caressant du bugle de Stéphane et le piano aussi lyrique et blues de Kirk qu'à l'époque où il partageait ce thème avec Chet Baker.

Pour le final, nouveau retour en quartet sur So we are, introduit par un solo de Sylvain Romano et poursuivi par une synthèse parfaite de tout le brillant savoir faire des musiciens. Aucun doute, ce quartet assure énergiquement et impeccablement devant sept mille personnes au point d'être ovationné pour un rappel obtenu ... mais dans les gradins beaucoup ont déjà tourné la page dans l'attente de la suite.... Oh ! Combien moins jazz !

Gérard Brunel



Deux chroniques sur la venue de Melody Gardot à Vienne

Melody Gardot et moi !

En ce qui concerne Melody Gardot, une question reste en suspens. Qu'est-ce qu'un tel projet vient faire dans un festival de jazz ? Je n'ai pas de réponse objective à fournir, si ce n'est que c'est un projet qui n'est pas du jazz mais par une chanteuse de jazz, il n'est que d'écouter un précédent album "Worrisome Heart" pour s'en convaincre.

Autre élément, et de poids, le concert de Melody Gardot répondait à une attente du public qui a grandement apprécié. On voit rarement les spectateurs en train de sortir, se figer, voire refluer pour revenir, comme sur le second rappel. Ceci tendrait à confirmer que des projets de cet ordre ont leur place ici pour leur capacité d'attirance de nouveaux publics en direction du jazz. Jazz à Vienne le fait depuis trente-deux ans et il semble que ça fonctionne.

On peut ergoter sur le concept un peu fumeux qui sert de prétexte au dernier album "The Absence" qui nous évoque Lisboa sur un air de bossa. Personnellement, j'entends plutôt du fado lorsque j'évoque Lisbonne, mais nous ne fréquentons sans doute pas les mêmes endroits, Melody Gardot et moi (seule l'écriture permet ce genre de rapprochement avec les stars, il n'y a pas de vigile pour me dire : "Non, non, Monsieur, votre badge n'est pas valable pour aller plus loin !"). Honnêtement on entend quelques mesures de fado après la fin du morceau, comme un appendice évocateur.

Dans l'ensemble, nous sommes plutôt dans les atmosphères, les sensations et les impressions de lieux mythiques que dans des souvenirs. Et comme dans nos propres évocations, les sensations de Melody Gardot se mélangent un peu.

Ceci étant dit, il faudrait un cœur de pierre pour ne pas être touché par la grâce de l'artiste. La chevelure cachée par un turban noir, une robe noire et longue relevée d'un gilet coloré où quelques plumes mettent un peu de mouvement, elle réussi le tour de force d'évoquer un personnage de femme entre Amérique latine, sud de l'Europe, Afrique du nord et port du Brésil et de nous le faire croire.

Dans un décor de caisses et de sacs en transit, de cette voix au grain de soie unique et délicieux, avec cette façon particulière d'assembler les mots, les mélodies et les rythmes, elle nous glisse dans l'oreille, comme les confidences mezzo voce d'une très vieille amie, les mots qui expriment la chaleur des sentiments amoureux et le froid de l'absence. Le souffle de sa respiration est une musique et sa voix douce, au très léger vibrato à peine perceptible, donne à l'expression des sentiments cette dimension irréelle qui nous séduit dans une communion admirative.

J'avoue que si dans un hypothétique rappel, elle avait entrepris de nous chanter le programme de Vienne, j'aurais fait comme les autres, je serais resté assis à l'écouter pensant comme chacun, ce soir-là, que Melody Gardot ne chantait que pour moi.

Michel Mathais

Sophisticated Lady.

Le goût est au vintage. Est-ce la crise qui nous plonge dans cette nostalgie d'instants légers, de vacances en technicolor, cette attirance pour les années folles ou l'inconscience semblait pouvoir l'emporter sur l'angoisse de la guerre ? L'espace que la grande faucheuse aura laissé au XXème siècle aura été propice à l'explosion du jazz en France.

Du jazz blanc, d'abord, frais et élégant, de celui qu'on écoute en smoking en buvant un whisky ou en robe de soirée à perles, un turban dans les cheveux, fume-cigarette à la main, regardant se trémousser la ceinture de bananes de Joséphine Baker. Jazz blanc. Danseurs noirs, pour lesquels on invente une image animale et sophistiquée.

Il y a dans le spectacle de Melody Gardot cette sophistication orientaliste, ce fantasme romantique d'un ailleurs chatoyant où le misérable est exquis. Il faut dire que sa voix s'y prête. Préciosité de Sarah Vaughn ou intimisme de Caetano Veloso, oscillant entre swing et bossa, il semble en l'écoutant que les ghettos ne sont peuplés que de divas noires fredonnant Summertime, que les favelas bourdonnent d'enfants rieurs, que Calcutta baigne éternellement dans la lumière safran qui caresse de lascifs saris. Cette perfection d'esthétisme se ressent beaucoup dans le travail d'arrangement qui cisèle le spectacle, par petites touches raffinées, d'un parfait équilibre, une sensation de palace chic, de luxe colonial. Le personnel est là, les costumes des chanteuses aussi - juste ce qu'il faut de chiffons sur les silhouettes flexibles et cuivrées. Les balles de tissus posées comme sur un quai rappellent l'univers de Gershwin, sculptées par une lumière très travaillée. Il y a quelque chose du "La mort de Sardanapale" de Delacroix, le légendaire roi de Ninive qui se suicide en entraînant dans son bûcher ses femmes et ses chevaux, sublimé par la touche flamboyante du peintre et l'envoûtante lascivité des odalisques.

Mais nous sommes trop loin. Les quelques photographes officiels ont été relégués à trente mètres ; je suis coincé en bordure du "crash barrière", derrière une énorme caméra. Et tout le travail d'ornement minutieux du décor est noyé dans un opium Hamiltonien, comme une pudique mousseline de lumière qui cacherait à ses admirateurs la diva sortant du bain, ultime métaphore d'un harem de tous les fantasmes. Reste au théâtre plein à craquer la douceur et la souplesse de cette voix chaude, l'élégance de la chanteuse et le plaisir de l'entendre parler un français charmant ; une invitation au voyage très réussie dans un wonderful world musical. Au final, une bonne idée de disque pour une fin de soirée romantique. Par les temps qui courent, ce n'est pas si mal.

François Robin

vu le jeudi 12 juillet 2012 à Vienne

Trombone Shorty & Ocean Avenue : "For True" au Théâtre Antique

Troy Andrews (alias Trombone Shorty) aime rappeler qu'il n'est pas imaginable pour lui de vivre ailleurs qu'à la Nouvelle-Orleans et plus particulièrement dans son quartier de Treme. Ce coin de la Nouvelle Orléans qui a donné son nom à la série TV (chaudement recommandée) décrivant la renaissance de la ville après Katrina et son bouillonnement musical.

Trombone Shorty fait d'ailleurs quelques apparitions dans la série aux côtés d'autres légendes musicales de la ville qui n'a jamais cessé d'engendrer des familles entières de musiciens : les Neuville, Baptiste, Harisson, Marsalis ... Les Andrews en sont unes ; le jeune Troy ayant été très tôt nourri au trombone et à la trompette en tout cas à un âge ou il était moins haut que son instrument à coulisse pour qu'il lui en reste le surnom "Shorty". Au sein du New Orleans Center for the Creative Arts (NOCCA), il se forme à tous les styles musicaux avec des enseignants prestigieux comme Ellis Marsalis et Allen Toussaint avant de suivre Lenny Kravitz pour diriger sa section de cuivres. Avec sa signature sur le label Verve et la sortie de "Backatown" en 2010 et de "For True" en 2011, tout en multipliant les concerts avec son gang des "Orleans Avenue" (batterie, basse, guitare, sax ténor et sax baryton), il impose un peu partout son gombo musical fait de funk, rock, rythm' blues, jazz et ska qu'il a malicieusement baptisé "Supafunkrock". Pour la scène, il n'a que l'embarras du choix dans les pépites de «For true" au point de mettre rapidement les gradins en ébullition avec Buckjump, Encore, Roses en alternant instrumentaux et morceaux chantés, tout en passant du trombone à la trompette notamment pour une démonstration ébouriffante de souffle continu où il gonfle alternativement joue droite et joue gauche. Beaucoup de compositions originales, où se glissent quelques reprises comme On your way down d'Allen Toussaint. Trombone Shorty, toujours très énergique, est perpétuellement à l'affût pour stimuler ses étonnants musiciens, tour à tour mis en valeur. Pour le final, c'est une reprise enflammée de I got a woman de Ray Charles avec petit tour sans filet au milieu du parterre tandis que sur scène les musiciens assurent d'enfer. Pour le rappel, on garde le tempo, mais pour le show, tout le monde change d'instrument et c'est Trombone Shorty qui prend les baguettes et met la pression à la batterie ... !

Même si cela devient une habitude, tant que vous délivrerez un show d'une telle intensité capable d'électriser et de mettre les gradins en transe, vous revenez quand vous voulez à Vienne, Monsieur "Supafunkrock" !

Gérard Brunel

Hugh Laurie : "Allez viens boire un p'tit coup à la maison".

Ce soir, Jazz-Rhône-Alpes a enquêté pour vous !!!

Si vous avez eu la chance d'avoir une place pour venir voir Hugh Laurie ce soir, c'est soit parce que vous êtes prévoyant et que vous n'avez pas attendu plus d'une semaine pour réserver votre place, soit parce que vous avez fait un tour sur "le bon coin" quelques jours avant !

Les faits : le 9 juillet -vers 13h23- "Djézira" vends 2 places à 120€ (soit 30% d'augmentation du prix d'origine), mais le 10 juillet -aux alentours de 08h42-, "Raymond" met en ligne une place à 28€ (soit 30% de diminution du prix d'origine) défiant alors toute concurrence et honorant ainsi la deuxième démarque !

Théoriquement, l'offre est estimée 156% en dessous des chiffres de la demande, et parmi ces dites demandes, mention spéciale à "Hayenne" qui est prête à prendre la place de votre copine si jamais celle-ci vous avait "larguée avant le concert sans partir avec la place".

Autres faits étranges (statistiquement prouvés par micro gradins !) : on constate la moyenne d'âge la plus basse du festival, la surreprésentation du genre féminin, une profusion de "I love you" suraigus, une concentration hors norme d'œstrogènes dans l'air ambiant et quatre infirmières.

Et sinon, du côté du concert ...

Oublié le côté rock'n'roll du Docteur mal rasé, adieu les Rolling Stones et l'agitation du Princeton Plainsboro. L'ambiance est à l'écrin intimiste d'un cabaret de la Nouvelle Orléans : lumière tamisée, tapis poussiéreux et on imagine facilement l'odeur de tabac froid et de sueur (à moins qu'on ne soit entré directement dans son salon ?!)

L'ouverture est osée mais pose le ton : Mellow Down Easy, le standard de Little Walker et LE morceau blues de la soirée. Avec une humilité toute britannique, Hugh sait se retirer pour laisser cette majorité du public, probablement novice dans le domaine du jazz, apprécier le talent des excellents musiciens, de sa choriste Jean MacClain sur The Legend of John Henry ou encore de Kevin Breit à la guitare dans un style "So British" (pour un américain !). Musiciens que Mister Laurie, en bon patron de bar, entretien avec beaucoup d'énergie : il les booste, les orchestre, les abreuve ... surtout les abreuve ... Il faut quand même de la motivation pour reprendre le si fameux Yeh Yeh de Georgie Fame ou un petit penchant pour l'alcool (pleinement assumé !) pour oser jouer une ode au Tanqueray (gin anglais) mais comme il le dit si bien "on fait de la musique d'alcooliques".

La voix est suave, le piano jazzy, la guitare folk et Hugh se balade au milieu de tout ça dans un véritable jeu d'acteur plus proche des saynètes du talk-show britannique "A bit of Fry and Laurie" que d'une superproduction hollywoodienne. Bien que sans cette notoriété, il eut été peu probable que le monsieur remplisse le théâtre antique, il est peut-être bon de rappeler à certains qu'il était musicien comique avant d'être le si fameux Dr Maison.

(Pour preuve : http://www.youtube.com/watch?v=YgfcVeIwGAs)

Claire Jalmain

vu le vendredi 13 juillet 2012 à Vienne

Danse à Cybèle

Pour leur dernier jour les "Midis de Cybèle" ont décidé de proposer de la danse.

Pour commencer c'est le studio Pulcinella qui présente une démonstration de danses sévillannes. Soit !

Ensuite place à un nouvel atelier proposé par l'Académie. "Danse Jazz".

Carole Alexandre, professeur à Avignon, a animé cet atelier en liaison avec le conservatoire de Vienne. Au total seize stagiaires de dix à dix-sept ans se livrent à un cours en direct sur la scène. La prof montre la voie et dirige sa classe d'une façon très ferme. Pirouettes, snakes, mambos, déroulés du buste, spirales, fouettés, steps... autant de figures apparemment simples mais qui une fois enchaînées s'avèrent complexes. Un bon moyen d'appréhender la difficulté de la discipline.

En seconde partie, après un changement de costume, la troupe nous présentera une chorégraphie aboutie, répétée durant les quelques jours de l'atelier.

L'après midi à Cybèle : destination Afrique

Pour conclure cette édition du festival sur la scène de Cybèle, le programmateur Benjamin Tanguy a choisi de présenter trois groupes de musique tendance ethnique. Musiques tournées vers l'Afrique avec trois groupes qui vont se succéder : "Gaga Dilo" qui associe les rythmes jamaïcains et l'afrobeat, une musique festive propice à la danse. Ensuite retour vers des musiques plus traditionnelles avec pour commencer Ibrahima Cissokho à la kora accompagné par son groupe "Mandingue Foly". On se retrouve en Afrique de l'ouest ave un style musical cher à Cheick Tidiane Seck. Pour finir on traverse le continent pour atterrir en Ethiopie où le groupe "Akalé Wubé" reprend des chansons traditionnelles éthiopiennes, et l'on découvre cette musique entraînante, plaisante à l'oreille avec son style très particulier.

Avec ce groupe s'achève cette édition de la scène de Cybèle.

Ayant suivi avec beaucoup d'assiduité la quasi totalité des concerts de cette scène je tenais à féliciter toute l'équipe technique et d'accueil de Cybèle qui pendant toute la quinzaine a couru un marathon sans défaillir. Avec Manu, le régisseur, nous avons refait les comptes, ce sont un peu plus de cent dix groupes et autant de changements de plateaux qu'ils ont eu à gérer entre Cybèle, le Kiosque, Lettres sur Cour et également les Musaiques. Et ce toujours avec le sourire et un accueil chaleureux, ce qui est confirmé par tous le musiciens qui m'en ont parlé.

Bravo à toute cette équipe sympathique.

Pascal Derathé

Début de la All Night Jazz avec le Trio Enchant(i)er

C'est donc fort logiquement le lauréat du tremplin RéZZo de l'année passée qui entame cette nuit du jazz, dernière soirée de cette cuvée Jazz à Vienne.

Pas de chance, la pluie s'est invitée et le temps est incertain. Les gradins se remplissent très mollement. Qu'importe le trio débute avec un peu d'avance. Les initiés auront remarqué un changement, le batteur est nouveau, il s'agit de Kevin Luchetti. A la guitare on retrouve toujours Olivier Jambois qui est un peu le nerf de cette formation et Greg Sallet aux saxophones.

Au premier abord leur prestation est toujours aussi âpre et rugueuse. Elle est surtout faite de contrastes forts. Là le sax se fait léger, on croirait entendre du Debussy et d'un coup tout bascule dans un volcan de notes où guitare et batterie pèsent lourd. Ce concert coïncide avec la sortie de leur nouvel album "Les composantes invisibles", ils vont donc nous en donner de larges extraits comme cette Berceuse euclidienne qui encore une fois trompe son monde.

Avec une écoute attentive ce trio Enchant(i)er dévoile la part attachante de ses compositions.

Pascal Derathé

The Jazz Crusaders au Théâtre Antique

Cette "All Night Jazz" aura permis de voir encore en action des légendes du jazz affichant allégrement les soixante ans de carrière. Si c'est le cas avec le crooner Tony Bennett, cela l'est aussi pour au moins trois instrumentalistes de la formation initiale des Jazz Crusaders réunis ce soir : le saxophoniste Wilton Felder, le tromboniste Wayne Henderson et le pianiste Joe Sample (complété pour la circonstance par le bassiste Niklas Sample, fils de Joe, ainsi que par le batteur John Taylor).

Apparu dans les années 60 sur le label californien Pacific, ils vont connaître un vif succès, contribuant par leur hard bop teinté West Coast à initier un vaste public au jazz. En 1971,avec notamment l'arrivée du guitariste Larry Carlton, les Crusaders perdent leur jazz en raccourcissant leur noms et en s'orientant vers un "soul funk" plus électrique qui leur attire le public pop en multipliant les rencontres avec des artistes venus du blues (BB King), de la soul (Randy Crawford) ou du rock (Joe Cocker).

En 1991, le groupe est mis en sommeil, Joe Sample se consacrant à sa carrière solo. En 1995, Wayne Henderson ressuscite les Jazz Crusaders sans Joe Sample qui de son côté relance les Crusaders en 2005 sans Wayne Henderson. Mais cette fois, promis et juré, c'est l'année du grand rabibochage (il manque encore le batteur Stix Hooper dont on jouera une composition ) et Joe Sample le confirme "on est bien les Jazz Crusaders et on fait du jazz acoustique...".

Vu le grand nombre de compositions à leur répertoire, le choix d'une dizaine de titres n'a certainement pas été simple, d'autant qu'il faut faire avec les "ego" d'une famille recomposée ou c'est Wayne Henderson qui a le leadership pour la prise de parole et les présentations, laissant à Joe Sample la direction musicale tandis que Wilton Felder se contente tout simplement de jouer superbement.

C'est sur On Brodway que la rutilante machine se met en route. Sur le plus funky Scratch, Welton Felder prend un délicieux solo de sax alors que Wayne Henderson tire de bien belles sonorités d'un trombone à pistons raccourci. Sur la reprise des Beatles Eleanor Rigby enregistré dés 1968 par les Jazz Crusaders sur leur album "Lighthouse 68", c'est Joe Sample qui nous régale de son jeu suave et recherché au piano. Pour le tube Street Life, sans Randy Crawford, ce sont les deux cuivres qui chantent, se répondent et s'enrichissent dans de gouleyantes envolées. Pas de baisse de régime pour le final Way back home, les nostalgiques de ce son élaboré sont ravis, il faut dire qu'on en attendait pas autant de ces trois papis qui nous ont donné une belle leçon de résistance... aux contre courants.

Gérard Brunel

Tony Benett au Théâtre Antique, papis crooners cherchent mamies groupies !

A presque quatre-vingt sept ans, Tony Bennett nous prouve une fois de plus qu'il est un crooner "tendance", aux nombreux succès et au public toujours présent. Même les plus jeunes semblent le reconnaitre, puisque le monsieur collectionne depuis quelques années les duos improbables tel que Lady Gaga, Christina Aguilera, Céline Dion ou encore Bono.

Interprète d'une musique que je ne saurais vraiment nommer, entre jazz et variété, cet autre Sinatra, profite de la scène pour charmer ses demoiselles avec une classe toute hollywoodienne dans sa jolie veste jaune !

Il reprend quelques un de ces "duos" et on regrette parfois, comme pour Just in time, la fraicheur d'un Michael Bublé pour l'accompagner ...

J'ai ouï dire que la prestation était meilleure qu'il y a quelques années, je veux bien le croire vu sa forme apparente, à quatre-vingt six ans, il assure encore Tony.

Claire Jalmain

Ibrahim Maalouf

Après le JazzMix il y a deux ans, Ibrahim Maalouf était l'invité de Jazz à Vienne sur la grande scène du Théâtre Antique pour la nuit All Night Jazz, son passage vers une heure du matin était bien adapté à cette musique onirique mais énergique et propre à redynamiser les spectateurs jusqu'au matin. Il ouvre le set avec Speed Dating un morceau groovy funky qui sert à faire connaissance avec le public en créant une ambiance festive qu'il fait tourner un moment et plus ou moins longtemps suivant l'ambiance. Ici, avec cette énergie particulière qui se répand très vite dans le théâtre antique, la mèche ne fait pas long feu. Il peut enchaîner avec l'inquiétant Obsession et le non moins étrange Schizophrénie.

Le public est alors mûr pour collaborer vocalement à Will Soon Be A Woman et le fait comme toujours avec beaucoup d'allant. Suivront une série de morceaux tirés du dernier disque "Diagnostic" mais dans des formes très différentes de celle de l'album, car, comme toujours chez Ibrahim Maalouf, la musique évolue très vite, en fonction des improvisations, des lieux, du public. Le set défile, bien rythmé, avec des accélérations des pauses, sans monotonie, au point de paraître court. Au final c'est comme toujours l'incendie et le rappel est une longue éruption durant laquelle il active et pousse les feux au maximum.

Au sortir de scène épuisé il avoue, en souriant, qu'emporté par l'énergie que développent le lieu et le public il s'est tellement donné qu'il a la bouche douloureuse au point de ne plus pouvoir jouer.

Michel mathais

(Ibrahim Maalouf: trompette ¼ de ton ; Youeenn Le Cam: trompette ¼ de ton, biniou et flûte ; Yann Martin: trompette ; Frank Woeste: Fender Rhodes ; François Delporte: guitare ; Laurent David: basse ; Xavier Rogé: batterie)

Ninety Miles : La Havane, vue du continent

Pour succéder à la fièvre communicative D'Ibrahim Maalouf, les sept musiciens du projet Ninety miles font leur entrée après un bref interlude caféiné. Ninety Miles, ou plutôt 144 kilomètres, c'est la plus courte distance entre les côtes Cubaines et Américaines.

Vous l'aurez devinez, ce collectif de musiciens américains et (principalement) cubains s'amusent à mêler le jazz cuivré de la Nouvelle Orléans à des influences Afro-Cubaines plus rythmées.

Le début du concert correspond à nos attentes, la trompette de Nicholas Payton donnant cette couleur cubaine si particulière aux tambours Bata de Mauricio Herra.

Mais les multiples mini-averses auront raison de cette chaleur communicative prompte à faire danser les plus motivés (et il y en a !). Les mélodies se complexifient, la batterie d'Henry Cole se fait plus fine, et l'on entend enfin la contrebasse de Luque Curtis. Et que dire des différents styles d'harmonies visitées par un Stefon Harris sautillant derrière ses deux vibraphones... de la haute voltige !

Avec un son plus New Yorkais que réellement cubain, ils rappellent l'époque surannée des années 50 où les Big Band découvraient les percussions afrocubaines. Cette vision éclairée d'un jazz plutôt classique leur évite la lourdeur inhérente à ce type de formation. Ils font bien plus que de tenir éveillé un Théâtre Antique qui se vide au fur et a mesure que l'heure avance.

Erigé en véritable art de vivre par ses protagonistes, ce projet reste audible sur l'album éponyme sorti en 2011, mais est aussi visible sur internet au travers d'un documentaire du photographe Devin DeHaven réalisé sous forme de road movie pédagogique.... Dont le teaser est visible ici : http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=NxySijHzJ8A

Pascal Percie du Sert

Sandra Nkaké au bout de la All Night Jazz : Like a Buffalo

"Like a Buffalo, running for Freedom... " Scande Sandra Nkaké en introduction de son concert, programmée en clôture de cette folle nuit du Jazz. Il faut bien admettre que la Miss Nkaké, c'est un peu ça, une sorte de taureau féminin, débordant d'oestrogènes aux revendications piquantes. Une sorte de Grace Jones du 21e siècle.

Elle dérange, elle explore, ne se refuse rien, cherchant à redonner vie à un jazz vocal d'académicien. Jouant des personnages qu'elle redessine sans cesse, ses talents d'actrice aidant, elle emmène le public dans un voyage réfléchi sans stress. Comme dans son titre Fairy Tales, La grande Sandra déconstruit les certitudes du quotidien, à grand renforts de textes sombres et imagés entièrement interprétés dans la langue de Shakespeare.

Sa voix grave, s'appuyant sur un véritable travail de vocaliste, s'accorde avec précision au jeu éclectique de ses musiciens. Notamment Jî Drû (qu'elle définit elle-même comme son pendant masculin) ; flûtiste et chanteur à ses instants perdus (que l'on aimerait perdre aussi), mais surtout co-auteur de leur dernier album "Nothing for Granted".

"Rien n'est jamais acquis". Tel est le message, essentiel, de cette enfant du jazz moderne. "Méfiez vous des apparences, et ne vous laissez jamais marcher sur les pieds. Assumez-vous en tant que femme, en tant qu'homme, en vous moquant des regards réprobateurs... Bref, "venez et amusez-vous comme vous êtes, comme on dit" s'amusait-elle à répéter avant de monter sur scène.

Comédienne, choriste, compositeur/interprète, mais aussi maman attentive... Sandra cumule les fonctions avec une énergie et une rage incommensurable.

La Soul énergique laisse place à un rock métal tendance fusion saturée, finissant sur le riff outrageusement efficace de Rage Against the Machine Killing in the name of... . Funk énergique, rock-pop mielleux, Jazz mélodique... Elle s'amuse à mélanger les styles dans un spectacle tant auditif que visuel. Elle saute, danse, conseille, puis rugit ses paroles telle une lionne cocaïno-woman que n'aurait pas renié Pierre Desproges.

Si l'on ne retrouve pas le groove que l'on est en droit d'attendre en cette fin de All Night Jazz, la prestation de "Sandra Nkaké and Friends" suffira largement à ravir les derniers irréductibles restés en forme sous les premières lueurs de l'aube. Dommage que les photographes n'aient pas été accrédités pour rendre compte de ce beau moment de partage entre un public encore bien motivé et une artiste qui n'en attendait pas tant...

De Tony Bennett (Dont les 86 printemps aident à pardonner bien des choses) à Ibrahim Maalouf (merveilleusement entouré, mais surtout particulièrement inspiré !) en passant par les Jazz Crusaders (toujours bon pied bon œil, même si ils jouent assis...), cette nuit du Jazz, comme d'habitude, a réservé son lot de surprises.

En prenant soin de l'oreille et de l'estomac (le fameux Café/Croissants/Dauphiné...) des derniers spectateurs, les organisateurs, Stéphane Kochoyan et Reza Ackbaraly en tête, ont offert une vision syncrétique de ce qui fait vivre le jazz moderne, des vieux crooners passés de mode au jeune trompettiste prometteur. En espérant que la programmation 2013 soit au diapason...

Pascal Percie du Sert

Ailleurs

vu le samedi 7 juillet 2012

Saint Paul Soul Jazz Festival

A la lisière sud de Rhône-Alpes, Saint Paul Trois Châteaux accueillait ce week-end environ 1300 festivaliers pour la septième édition de Saint Paul Soul Jazz Festival, organisation bénévole emmenée par Fabrice Garcia.

Ce samedi 7 est la journée des pointures. Reuben Wilson, pionnier du genre, avait répondu présent pour un concert unique en Europe. Accompagné des Fantastics et armé de son Hammond B3, il ne lui fallut que quelques standards pour oublier son décalage horaire, chauffer la salle et, grâce à des compositions plus récentes au groove bien musclé, déclencher les cris de plaisir de l'assistance. Ensuite vinrent les New Mastersounds, originaires de Leeds, emmenés par le guitariste d'origine galloise ( il y tient ) Eddie Roberts. La fierté -légitime- du groupe est d'avoir rendu le goût du jazz funk aux américains ( d'où leur surnom "Coal to Newcastle" ... nous dirions "retour des saucisses à Francfort" ). Superbe voyage à travers leur déjà abondante discographie, quelques solos éblouissants d'Eddie, portés par l'implacable section rythmique et les nappes d'orgue. Après bientôt trois ans de tournées aux USA ils ont tenu à revenir pour la troisième fois à ce festival qui leur a fait confiance à leurs débuts, mais le niveau est désormais au moins équivalent à celui des concerts de Biréli Lagrène ou Larry Carlton à Jazz à Vienne le 6. Bref gros succès ; premier rappel : "San Frantico", son rythme irrésistible, sa wah-wah qui fait ouvrir la bouche de la moitié des spectateurs...ovation. Après quatre heures endiablées à 102% ( titre d'un de leurs albums ), bœuf final réunissant l'ancienne et la nouvelle génération... extase !

Le dimanche 8 Eddie revenait sur les lieux de son crime, avec les hispano-britanniques Fire Eaters : leur album "Burn" de 2011 était décidément bien nommé ! Orgue, flûte, sax et bien sûr la Gibson d'Eddie s'enchaînent et se combinent à la perfection ...l'Europe a une fierté de plus : la domination de ce créneau du jazz funk, aussi nommé nu-funk. Ensuite les bataves Lefties Soul Connection ont proposé un mesclun de leurs trois albums...faut dire que le premier s'appelait "Hutspot"...pot-au-feu en néerlandais. Dimension un peu moins jazz que les précédents ( improvisations plus clairsemées ), mais avec une palette plus large : des morceaux lents ( si si ), un parfum reggae ou sixties, des moments pur soul avec la chanteuse Michelle David...Franc succès encore. Et un gros boeuf final "Master-fire-eater-sounds" ....bref sur deux jours Eddie Roberts n'a pas fait loin de 5 heures de scène et de solos uniques ...Guitar Hero !...qui mettrait aussi le feu au Théâtre Antique de Vienne pour peu qu'on l'invite.

Ce Festival St Paul Soul Jazz gagne à être connu !

Patrick Van Denhove

GMT Project au Périscope

Ce soir 9 Juillet, le Péristyle fait le plein bien avant l'arrivée des musiciens. La réputation du quartet d'Eric Teruel GMT Project n'est plus à faire. Patrick Maradan à la contrebasse, Antony Gatta aux percussions, Alaoua Idir à l'oud (et effets), Eric Teruel piano accoustique et Fender Rhodes, c'est un ensemble qui a su trouver un son et développer de belles compositions ou chacun peut prendre sa place.

Musique de "climat" (et non d'ambiance) les lignes mélodiques et rythmiques ont encore gagné en beauté et simplicité. Nous connaissions Western Motel et Sky Reader de Patrick Maradan ; et d'Eric Teruel : Mazille, célébration de la paix en son carmel et Hearth's dance. Nous savions aussi qu'Herbie Hancock est un grand frère voire un grand maître pour tous (Bérangère nightmare, Maiden Voyage). Mais nous ne connaissions pas Esmeralda (inspiré par la figure sublime de Notre Dame de Paris !), ni Siméon, ni The Druid, ni 9 ladies. D'emblée le désir de dépouillement apparaît dans l'épure de la mélodie dialoguant avec la ligne de basse. Les espaces harmoniques et rythmiques ainsi libérées se déploient à la mesure du talent des improvisateurs. Quand le public de l'opéra (Carmen ce soir encore a vécu de son éternelle mise à mort) ne brouille pas les pistes par une extrusion semble t-il nécessaire - d'où les citations amusées de Bizet dans le chorus de piano de Hearth's dance- la danse du cœur et des doigts peut allumer le Péristyle. C'est aussi tout le feu d'Antony Gatta dans 9 Ladies de Patrick, soutenu par un ostinato de plus en plus épuré des trois autres complices, une fin de thème absolument limpide et voulue comme telle ; ou encore le feu de l'improvisation d' Eric Teruel dans son Ravel.

Dommage que le matériel de la sonorisation, et non le sonorisateur qui fait ce qu'il peut, ne soit pas à la hauteur des musiciens et de leur musique. Longue vie au GMT Project. A quand la gravure d'un CD de jour en jour plus désirable ?

Bernard Otternaud

vu le mardi 10 juillet 2012

Ricky James aux Estivales en Savoie au Centre des Congrès à Aix les Bains. Le Jazz Soul revisité !

"Personne ne rend à sa génération un service plus grand que celui qui, soit par son art, soit par son existence, lui apporte le don d'une certitude." (Le nouveau drame d'Ibsen) James Joyce 1882-1941.

Que Tout Soit Propeace logogriphe utopiste et sympathique désignant les plages qui seront proposées ce soir par le regroupement de plusieurs formations alliées pour la circonstance : Soul Divine, Céphalopode, Big Boum Boum qui fusionnèrent dans un concept intitulé : M.A.F.I.A (Musique Accidentellement Francophone d'Inspiration Africaine) développé et initié par Ricky James Fotso Guifo (guitare, chants, compositions) et ses compagnons. Personnage haut en couleurs et dynamiteur musical créant une ambiance quasi immédiate qu'il déclencha devant une salle bien garnie face au public d'Aix les Bains. Le registre proposé puise dans des sonorités très variées : soul, reggae, jazz, blues, et africaines, où chacune des chanteuses et des musiciens ont pu exprimer pleinement leurs compétences musicales : Régis Ferrante (saxophone alto), Rémi Bulot (trompette), Christophe Blond (claviers), Raoul Ribièro (guitare), Anis Bahmed (basse), Renaud Burtin (batterie), des chanteuses : Emilie Collomb et Delphine Polet, Mahjoub Jamaï (percussions), Amrat Hussain (tablas), Djamel Ayad (DJ Kwon-On) et Patrick Chemin (poèmes, récitant). Ce dernier démarra le set par un de ses textes et le groupe enchaîna par Joli calao, puis Misérables, Kalako, Quand tu es derrière, Et ça se passe comme au théâtre (Patrick Chemin), Le vide est un trop plein, Des années de Torquemada, C'était là, Farawa, Elle croit qu'elle a tort, Ça va aller. L'esprit défini par le projet Que Tout Soit Propeace irrigua la session (Chorus d'Amrat Hussain, lecture de poèmes, chorégraphies sensuelles), les treize partenaires développèrent leurs gammes dans un joyeux capharnaüm tonal qui suscita l'adhésion total d'un public d'horizons divers et disparates mais conquis. Au final, la découverte d'un artiste et de sa bande, certes fantasque mais non dénué de réelles qualité de show-man et musicales, qui n'en doutons pas, débordera certainement les limites régionales et s'imposera hors de celles-ci.

Alain Bailly

Geoffrey Secco / Nicolas Giraud au Centre des Congrès d'Aix Les Bains : les Estivales en Savoie, suite.

"S'il était aussi facile de faire que de savoir ce qu'il faut faire, les chapelles seraient des églises et les chaumières des palais." (Le marchand de Venise - 1596) William Shakespeare 1564-1616.

Sous le vocable Cheyenne se dissimule en fait une forme aboutie d'électro-jazz ou d'acid-jazz, voire de Deep House-jazz qui naquirent dans les années 1980/1990 avec pour certains des racines disco, hip-hop. Bref, une tendance musicale où l'électronique occupe une place importante dénommée par ses partisans Lounge, Easy-listening pour les plus avertis. A l'évidence, nous nous retrouvons dans un univers assez complexe qui poursuit son développement, certes en marge d'un jazz plus traditionnel et qui s'installera probablement avec le temps. Remémorons-nous les périodes free-jazz d'un Éric Dolphy, d'un Cécil Taylor ou d'Ornette Coleman dans les années 50/60 ou les déclinaisons de jazz modal de Miles Davis et d'Herbie Hancock en 1960. Ces innovations aujourd'hui s'inscrivent dans un classicisme reconnu et abondamment interprété, après avoir déclenché de violentes polémiques à l'image de la célèbre controverse d'après-guerre Panassié / Delaunay (Jazz traditionnel face au Jazz dit moderne).

Geoffrey Secco (saxophone ténor et platines), Nicolas Giraud (trompette et platines), Fabien Malgrand (batterie et percussions), s'inscrivent totalement et sans retenue dans cette mouvance Deep House Jazz qui provoqua un mouvement significatif parmi les spectateurs présents, qui pour la plupart ne sont pas initiés aux subtilités musicales des multiples variations des expressions de jazz. Dans la lignée d'un Éric Truffaz ou du groupe Saint Germain, ils proposèrent et exécutèrent une partition très engagée dans ce registre quand même déroutant, mais qui, pour une oreille attentive et avertie discerna clairement des harmonies connues et reconnues. Le public plus jeune adhéra sans réserve à la session et envahit l'avant-scène afin d'exprimer par une gestuelle appropriée son approbation.

Les sons délivrés par le trio s'appuient sur un tempo relativement lent soutenu par une rythmique de basses entrecoupées de percussions de façon syncopée et de chorus de saxophone et de trompette qui apportent et renforcent la ligne mélodique des opus interprétés. Platines, sax et trompette, percussions fusionnèrent à la plus grande satisfaction du public présent et qui apprécia les particularismes musicaux des trois interprètes.

Une pensée à l'endroit des organisateurs qui n'hésitent pas dans la diversité de leur programmation.

Alain Bailly

vu le mercredi 11 juillet 2012

Le blues en sa voix estivale avec Nina Attal

Avoir vingt ans, savoir jouer le blues à la guitare, savoir le chanter, et avoir le feeling, ce n'est pas facile. Peu de garçons sur les rangs...Nina Attal, elle, sait conjuguer tout ça, et Nina, c'est une bête de scène qui séduit son auditoire avec un charme, un talent et un professionnalisme impressionnants qui sont assurément les clés de sa réussite.

Pour la dernière soirée des estivales en Savoie 2012 le château des Ducs recevait cette jeune mais déjà grande artiste déjà qualifiée par la presse de "perle" de la soul et du blues français. Le parcours de cette jeune femme est déjà hors du commun. Cette enfant prodige qui a appris la guitare à l'âge de 13 ans, révélation du tremplin "Blues sur seine " en 2009, arpente depuis de nombreuses grandes scènes dont celles des grands festivals de Blues en France mais aussi à Montréal.

Nina puise son inspiration aux racines du blues et de la funk avec une maturité dans ses compositions qui n'a d'égale que sa maîtrise de la langue du blues et de sa virtuosité guitaristique.

Accompagnée de Philippe Devin à la guitare qui a écrit et composé avec elle son 2e album "Yellow 6-17" qu'elle présentait ce soir, elle est aussi entourée d'excellents musiciens qui ont tous foulé des scènes du blues et joué avec des pointures: Thomas d'Arbigny à la basse, Damien Cornélis aux claviers, Julien Audigier à la batterie, Sylvain Fétis au saxo ténor et Olivier Bridot à la trompette et au buggle. L'entente musicale et le jeu scénique hyper bien rôdés ont inévitablement transporté le public dans une ambiance "nickel" où chacun était "à donf", musiciens et fans de tous âges, car mais oui, des seniors aussi se laissaient embarquer par la musique ô combien énergique de cet ensemble musical déjà hors pair, et ça, ça ne trompe pas!

Il faut dire que Nina n'avait pas attendu longtemps avant de descendre de la scène avec sa "Strato", pour jouer un chorus, parmi un public déjà conquis par sa musique!

Aussi à l'aise dans les thèmes très rythmés (Macho Man, Run Away, Stand Up, Do It Right Now, Over the Mountains, I Wanna Be Back, Prisoner, What a Dirty Night, Blackstar, P) de son album que dans ses compos plus lentes (The Wind, Childhood),

Avec ses musiciens, Nina Attal, "elle envoie", et c'est rien de le dire!!!!

Jack Urvoy

Brooklyn Funk Essentials aux Estivales en Savoie : le Jazz Funk revisité et dynamisé !

"L'objet du savoir n'est pas l'objectivité ni l'être, mais la réalité. L'intelligence n'est pas la faculté de l'objectif ni celle de l'être : elle est la faculté de la réalité." (Intelligence et raison - 1983), Xavier Zubiri 1889-1983.

La cour d'honneur du château des Ducs de Savoie à Chambéry accueille ce soir son ultime soirée, un programme qui promet des sonorités à fortes implications jazz funk voire acid-jazz et quelque peu déroutantes par les dynamiques chromatiques délivrées. La jeune Nina Attal et son groupe, et le Brooklyn Funk Essentials sont sur scène pour délivrer une musique très implicante. Habitué des salles new-yorkaises, conçu à l'origine par le bassiste Arthur Baker et Lati Kronlund, dans les années 1990, le B.F.E s'inscrit dans la mouvance de la Big Apple.

Apparue dans les années 1930 à Colombia en Caroline du Sud, issue de la ségrégation raciale qui sévit à l'époque, fortement identifiée à la communauté afro-américaine à ses origines, cette danse fut reprise par Betty Wood, une blanche, qui parvint à l'extraire en quelque sorte de ses racines, pour la dissoudre dans le Black bottom, le Charleston ou le Collegiate shag sous l'appellation Little Apple. Après une quasi disparition de cette danse au bout de quelques années, elle réapparut dans les année 1950. Pour info, Big Apple est le surnom que les américains donnent à New York sans lien avéré avec la danse du même nom.

Depuis presque vingt ans, l'alliage jazz/funk/rap élaboré par le Brooklyn Funk Essentials développe une partition où la densité musicale et gestuelle est parfaitement cohérente avec les intentions initiales. Sur la scène, face à la façade du XVIIème de la Sainte Chapelle du château des Ducs, la déferlante du collectif multiculturel : jamaïcain, porto-ricain, néo-orléannais et suédois se déchaîne ; ses représentants, à savoir : Hanifa Robinson (chant, aka Sha-key), Everton Sylvester (chant), Papa Dee (chant), Lars Kronlund (basse Gretch et Bandleader), Iwan Van Hetten (clavier, trompette, chant), Desmond Foster (guitare), Anna Brooks (saxophone ténor et sopranino, chant) et Morgan Agren (batterie) délivrent un bouillonnement latino dans une transe rythmique cuivrée que les spectateurs savourent avec une gourmandise sans retenue comme un très grand cru. Les murs environnants en tremblent tant l'intensité impulsée (le beat) est soutenue, le B.F.E. jongle avec furie dans les rythmes funk, jazz ethnique, hip-hop live, soul crue et escapade world, une seule référence de free: Pharoah Sanders et le groove ! Compositions choisies et délivrées :Blow your brains out, Magic carpet ride, Mambo con dancehall, The park, Istanbul twilight, Diggy dibby sound, Big apple boogaloo, Funky Nassau, The beat, Dance free night, Kick it et Ska ka-bop.

Tous les acteurs du groupe sont à citer, et plus particulièrement Hanifa Robinson, véritablement pénétrée par cette musique, Desmond Foster magistral guitariste, Lars Kronlund en grand maître à la basse de ce culte païen et Morgan Agren à la batterie qui impulsa un tempo d'une régularité métronomique et démontra une utilisation et une maîtrise remarquable de son instrument.

Cette soirée qui clôture la dixième édition des Estivales en Savoie se termine ainsi en une explosion tonale qui installe cette manifestation définitivement. Un mot pour les organisateurs Philippe Veyrinas et Sylvie Martin, qui outre une programmation jazz avant-gardiste, nous ont grandement facilité la tâche par leurs disponibilités et la grande liberté de mouvements dont nous avons bénéficié, qu'ils en soient remerciés.

Alain Bailly

"Un nerf de swing" au Savannah Club, Jazz Club d'Annecy le 11 juillet

On les avait découvert, en mai 2011, quand à l'issue de son concert, Lemmy Constantine, accompagné de Rocky Gresset, les avait invités à faire le bœuf. Il était bien compris et convenu qu'on les reverrait très rapidement.

Un Nerf de Swing, la configuration classique et idéale, pour un répertoire manouche et swing. Marie Tour au violon, Bastien Famelart à la contrebasse, Mehdi Abdaoui et Lucas Territo aux guitares respectivement rythmique et solo, savent de quoi ils parlent, mais surtout, de quoi ils jouent.

C'est un florilège subtilement agencé dans une set list généreuse, pas moins de vingt titres, qui ouvre sur Crazy Rythm. Suit aussitôt, le (très) Troublant Boléro sur un tempo lent, où Marie Tour pose sa marque et sa couleur pour la soirée. Puis les références s'enchaînent, Coquette, Si tu savais, lent aussi, Limehouse Blues, le premier set bouclera sur Sweet Georgia Brown.

La deuxième partie, Webster, After you've gone, Hungaria, entre autres nombreux standards, s'achève sur un rappel composé de trois titres enchaînés, China Boy, Daphnée, Les Yeux Noirs...

L'exercice n'est pas facile, parce qu'empreint de références affectives, et non des moindres. Titres populaires (airs de swing ?), Nuages, Minor Swing, How High the Moon, musiciens emblèmatiques et virtuoses, Django, Birelli, Grappelly, etc..

Bref, une tradition qui n'est pas démentie, et l'engouement actuel est révélateur. Une musique somme toute... française. C'est la nôtre, on la connaît bien, et on vous attend au tournant.

D'ailleurs, à un quidam qui se risque à dire qu'il joue de la guitare, ne se trouve t-il pas toujours, un autre quidam lui demandant si il connaît, d'abord... Nuages, et accessoirement, Jeux Interdits des Shadows ou Apache par N.Yepes, ou vice et versa ?

Aussi, comment échapper aux traquenards de la redite usée jusqu'aux cordes ?

Un Nerf de Swing contourne habilement les écueils, par un sens du groupe indéniable, au delà de la simple connivence semblerait-il.

Il n'est qu'à voir, l'attention intense portée au -à la- soliste, par les trois autres musiciens, pour comprendre la mécanique qui fait si bien rouler l'ensemble. Tout en conservant, l'énergie (le nerf ?), la force et l'efficacité du jeu collectif, le groupe affiche toutefois, moins de cette brutalité métallique, souvent agressive, communément rencontrée dans le genre. Le climat est au lyrisme, à une douce harmonie, et à une mise en place d'une extrême rigueur. La rythmique redoutable et imperturbable, assurée par ces deux métronomes, Mehdi Abdaoui, et Bastien Famelart, sert confortablement Marie Tour et Lucas Territo dans des phrases authentiques et respectueuses, heureusement (ouf) débarrassées des plans et gammes nuisibles, et des excès de virtuosité, démonstratifs et prétentieux.

Et, cette musique joyeuse, c'est en concert qu'elle trouve toute son essence.

Un Nerf de Swing joue partout en Rhône Alpes. Enfin, cet été. Après..?

Aussi, vous savez ce qu'il vous reste à faire ? Hum ?

Gérard Gabalde de Casamajor

vu le samedi 14 juillet 2012

Family Cheap à Larnas

Ouverture de la sixième édition (déjà) de "Jazz sur un plateau" à Larnas en Ardèche méridionale.

On ne vient pas à Larnas par hasard. En venant de Montélimar, il faut passer le verrou médiéval de Saint-Montan. Camions, caravan et camping-cars y sont interdits, car ça ne passe pas. On grimpe ensuite quelques kilomètres tortueux où deux voitures ne peuvent parfois pas se croiser pour arriver enfin sur un plateau : Larnas.

Lovée le long de la petite église romane du village qui a dû connaître nombre d'autres envahisseurs, la scèneest prête à accueillir les orchestres qui vont se succéder.

La soirée ouvre sur un groupe valentinois, Family Cheap, qui fait le pont entre Hip-Hop, électro-jazz, R&B et funk. Un son très actuel servi par une rythmique bien massive et deux sax. Tais Lopez de Pina, sax alto est aussi choriste et chanteuse, et amène au projet sa voix chaude et un indéniable atout féminin. Le septet conduit par le rappeur Max nabis présente une compilation de son premier album et des nouveaux titres dont un Soul train groovy à souhait.

(Hugo Ibanez: guitare ; Lucas Jaymayer: basse ; Pierre Omay: sax ténor ; Tais Lopez de Pina: sax alto, voix ; Victor Tallerico: claviers ; Raphy Biggy: batterie ; Max Nabis: voix, textes)

Jazzeba à Larnas

Le groupe quasi-régionnal de l'étape intervient en seconde partie. Il profite de l'excellente sono mise en place pour lâcher ses décibels d'un jazz electro énergique.

Cette formation qui tourne depus deux ans et bien rodée à la scène. Le leader et guitariste, Brice Bottin faisant le show entre Roger Daltrey et Angus Young, envoie une sauce très funky et chauffe ses partenaires qui répondent très groove. Trompette et sax poussent fort, dans une ambiance très gaie.

Jazzeba propose comme d'habitude un excellent moment de musique euphorisante.

(Benjamin Astier: sax ; Sylvain Rebichon: basse ; Elie Dufour: claviers ; Nicolas Thé: batterie ; Jonathan Carry: trompette ; Brice Bottin: guitare)

Swallow à Larnas

Une autre formation d'Anne Sila. Ici elle chante accompagnée d'un trio de musiciens chevronnés : Luc Plouton aux claviers, Bernard Chazaut à la basse et André Irondelle à la batterie, ces deux derniers étant également les organisateurs du festival.

Au menu, rien que des standards : Let's fall in love, un Unchain my heart qui enflamme le public, des petits riens, La Vénus de Melo, Sweet Dreams d'Eurythmics jazzifié pour l'occasion, un Respect d'Aretha Franklin très enlevé, et d'autres encore.

Anne est très à l'aise dans cet exercice classique de reprises et communique toute sa fougue au public qui a bien besoin de cela car le vent du soir est glacial. Elle réussira même à tranformer le devant de la scène en piste de danse pour le rappel où une dizaine de couples viendront danser un slow sur All that I need is love.

Après les premiers groupes, tendance moderne, ce retour au jazz vocal complète bien le tableau des genres avant le final.

Troc à Larnas

André Ceccarelli nous propose aussi un voyage dans le temps. En 1972 il avait fondé avec Jannick Top, Alex Ligertwwod, Claude Engel et Henri Giordano un groupe de potes nommé "Troc". Ce groupe sera très éphémère, le temps d'un album. Chacun reprenant son chemin ensuite, l'un vers vers Magna, l'autre vers Santana, le dernier vers Nougaro. En 2011, les trois de base remettent le couvert et sortent le deuxième album en quarante ans, album mûri s'il en est, et décident de reprendre la route.

Les voilà donc à Larnas où Dédé Ceccarelli semble prendre ses quartiers (il était déjà là l'année dernière avec "Le coq et la pendule").

Aux côté des trois piliers on retrouve le jeune et talentueux Julian Oliver Mazzariello aux claviers et le guitariste Amaury Filliard. Devant Alex Ligertwood fait le show et la magie de sa voix opère. Derrière Dédé conduit les débats au volant de sa batterie formule 1. Il rayonne de se retrouver à côté de son pote Jannick, celui-ci est toujours impressionnant malgré les années sur sa basse. A eux tous ils nous offrent un set excellent de jazz "nostalgie" genre rock et fusion.

Bravo aux organisateurs et aux bénévoles pour la qualité du plateau présenté et pour les efforts déployés pour accueillir dignement un public dans un endroit si dénué d'infrastructure.

Pascal Derathé

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